Pays : Suède
Style : Hard Rock
Note : 8/10
Date de sortie : 25 Nov 2022
Sites : Bandcamp | Facebook | Instagram

Lorsque j’ai chroniqué le premier album des Riven en 2019, j’ai parlé de blues rock ou de hard rock, car les deux s’appliquaient. Le groupe préférait le « heavy blue rock » mais pour cette suite, ils semblent opter pour le « high flying power rock » et cela fonctionne encore mieux, car l’aspect blues de leur son est un peu atténué ici au profit d’un bon vieux hard rock à l’ancienne, principalement des années 80 je dirais mais aussi des années 70. Il y a un côté psychédélique et l’angle folk est toujours là, avec un flirt occasionnel avec le proto-métal aussi. Le résultat de ce mélange de genres est une énergie majeure délivrée en pleine face et cela donne un album solide et sans doute plus cohérent.

The Taker a des airs de Girlschool. Il évolue vers une ambiance plus psychédélique, mais il ne perd jamais son énergie NWOBHM et, une fois que c’était évident sur la deuxième piste, je l’ai entendu partout dans On Time aussi, qui est l’ouverture. Il s’agit d’infusoires d’énergie de moins de quatre minutes et l’association de ces deux titres donne un bon départ à l’album, même si je préférerais The Taker à On Time n’importe quand avec la guitare urgente d’Arnau Diaz et le rythme contagieux d’Olof Axegärd. C’est peut-être la deuxième fois que l’on monte en puissance à partir d’un début fort, avant que l’album ne se calme un peu pour la chanson titre, dont les guitares ont une saveur plus Thin Lizzy.

Comme beaucoup de chansons ici, elle est construite à partir de gros accords puissants et de gros rythmes, mais elle trouve une ambiance plus calme pour ses couplets, qui grondent de façon vaguement psychédélique derrière la basse de Max Tenebring. On a l’impression que les morceaux d’ouverture sont là pour permettre au groupe d’exciter le public, afin qu’il puisse sortir ce morceau pour varier son set. Et, juste au cas où quelqu’un ne serait pas satisfait de cette approche plus calme, ils passent à la vitesse supérieure pour les solos, ce qui devrait satisfaire tout le monde. Et je me rends compte que j’ai donné des coups de gueule à tous les membres du groupe, sauf à Charlotte Ekebergh, la dame à l’avant avec une voix immense qui domine le spectacle quand elle le veut, mais, rassurez-vous, elle est toujours là et en pleine forme avec plus d’un moment sous les projecteurs à ce stade.

Je l’appelle sur Sorceress of the Sky, parce que c’est grandiloquent dès le début. Cela se calme un peu lorsque Ekebergh fait son apparition, mais pas pour longtemps, car elle s’envolera bientôt au-dessus des accords puissants et encore plus sur les solos glorieux de la seconde moitié, qui se déroulent avec une nette saveur orientale. Le seul problème que j’ai avec cette chanson est qu’elle se termine bien plus tôt que je ne le voulais. Bien sûr, il y a une intro à la guitare espagnole appelée La Puerta del Tiempo, qui est reprise à la fin du morceau proprement dit, mais celle-ci semble mériter d’être une épopée et elle ne l’est pas.

L’épopée de l’album est Death, même si, avec un peu plus de six minutes, elle est en fait un peu plus courte que Sorceress of the Sky, si l’on tient compte de l’intro. Cependant, Death se développe merveilleusement et donne toujours l’impression d’être épique, même avant que la construction ne commence. C’est formulé comme une épopée et ça marche comme telle. Il y a aussi de l’épique dans On Top of Evil, bien qu’il ne soit pas joué de cette façon aussi ouvertement que Death. C’est ici que le proto-métal apparaît, car celui-ci commence dans le genre d’ambiance psychédélique tranquille dans laquelle Black Sabbath s’est laissé aller de temps en temps. Il se construit aussi, comme beaucoup d’autres ici, et tout cela est lourd, un clin d’œil définitif au début des années 70 plutôt qu’au début des années 80.

Ce sont là mes trois points forts – The Taker au début, On Top of Evil plus tard et Death pour conclure le tout de façon impeccable – mais je m’en voudrais de ne pas mentionner Sundown, car il nous ramène à l’aspect plus folklorique du son du groupe qui était si important sur le premier album. Il ne s’agit pas du folk à la Led Zeppelin que Far Beyond avait si bien abordé sur le premier album ; il s’agit plutôt d’un style chanteur/compositeur avec une guitare acoustique lâche derrière une voix d’Ekebergh beaucoup plus subtile, bien qu’une voix d’Ekebergh exquise qui démontre l’étendue de sa puissance. Elle est introspective ici, mais elle augmente la puissance et laisse cette voix se libérer merveilleusement. Le résultat est à mi-chemin entre Mary Chapin Carpenter et Tracy Chapman dans ses sections les plus calmes, mais aucune d’entre elles ne peut s’élever comme cela.

Je m’attendais à aimer cet album et c’est le cas. Je pense que c’est un album plus mature en termes d’écriture de chansons, mais aussi un album plus équilibré dans le sens où, aussi puissant que soit Ekebergh, il ne sonne pas du tout comme un projet solo. Les quatre musiciens brillent tout au long de l’album et, sur presque chaque chanson, il est facile de laisser l’un d’entre eux voler notre attention, de sorte que nous les suivons tout au long de l’album. En fait, Diaz est une puissance à l’égal d’Ekebergh et cet album est à son meilleur pour moi quand les deux sont en feu en même temps. Et, parce que la fin de Death est l’un de ces moments, cet album est à la hauteur de la vieille maxime du show-business qui consiste à nous laisser sur notre faim. Peu importe le nombre de fois que je l’écoute, je ne veux jamais que cet album se termine.