Pays : Italie
Style : Stoner/Hard Rock
Note : 7/10
Date de sortie : 9 Jun 2023
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Si je compte bien, il s’agit du huitième album studio du groupe de stoner rock italien Black Rainbows, qui s’est formé à Rome en 2005, mais c’est la première fois que je les entends. J’aime ce que j’entends, parce qu’ils jouent un stoner rock très rebondissant et très engageant. Les deux premières parties rebondissent comme Clutch, une influence sûrement importante, mais elles pâlissent devant le rebondissement du morceau suivant, Children of Fire and Sacrifices, qui sonne plus vieux. Je ne suis pas sûr qu’il existe un groupe de stoner rock qui ne ressemble pas à Black Sabbath à un moment ou à un autre, et c’est bien le cas ici, mais ils le mélangent à Clutch et, comme on le découvrira bientôt, à Hawkwind.

Il y a du fuzz sur la basse d’Edoardo Mancini, mais c’est relativement propre, ce qui nous fait basculer dans le hard rock, et c’est finalement là que se trouve le morceau final, Fire in the Sky, qui démarre avec un riff qui aurait pu être tiré d’un morceau d’Iron Maiden de l’époque de Paul Di’Anno, mais qui bascule rapidement dans le territoire de Hawkwind, avec cette basse entraînante brevetée et le chant propre de Gabriele Fiori, qui est prononcé dans un anglais sans accent. Ce morceau est si typiquement Hawkwind qu’il s’agit clairement d’un hommage manifeste.

Et ce n’est pas le premier, bien que les autres abandonnent le drive pour le space rock acid trip. The Pilgrim Son et King Snake basculent tous deux dans le space rock, les atmosphères générées par les claviers construisant un maelström tourbillonnant autour de la basse de Mancini. Le premier revient au son habituel pendant la seconde moitié, bien qu’il ne soit pas aussi rebondissant que les premiers morceaux et avec les tourbillons de claviers en arrière-plan de tout le reste, jusqu’à ce qu’il retombe dans un paisible noodling de space rock pour rentrer à la maison. Le dernier est plus discret, un voyage moelleux tout au long de l’album. Desert Sun démarre en force, comme un contraste délibéré.

La question est de savoir laquelle de ces approches fonctionne le mieux et je ne suis pas sûr d’avoir une réponse. Ils font tellement bien le stoner rock rebondissant que je suis tenté d’opter pour ces chansons. Je citerais sûrement Children of Fire et Sacrifice comme mon morceau préféré, mais Lone Wolf ne me laisse pas tranquille. Il est très enjoué et ce n’est pas seulement le rebond qui le fait vendre. J’adore le riff de ce morceau et j’aime encore plus la façon dont il évolue pendant la seconde moitié instrumentale. Je soulignerais également All the Chaos in Mine, non pas parce qu’elle fait quelque chose de fantaisiste, mais parce qu’elle n’a aucun intérêt à faire quelque chose de fantaisiste et qu’elle se démarque quand même. Il comporte un riff si simple, contrairement à Lone Wolf, mais il est d’une efficacité exquise, transformant la chanson en une sorte de mastodonte inarrêtable.

J’aime aussi les chansons de space rock, mais pas autant. The Pilgrim Sun dure huit minutes et demie et je ne pense pas qu’il ait assez d’éléments pour justifier ce genre de voyage cosmique. King Snake est plus efficace avec seulement cinq minutes, une ambiance Hawkwind décontractée avec tout ce qui est trempé dans l’écho acide. Il a certainement une approche plus efficace pour m’emmener quelque part, ce que le rock spatial devrait toujours faire. S’il ne m’emmène pas à l’extérieur dans un voyage coloré à travers le cosmos, il devrait m’emmener à l’intérieur et me faire sentir hypnotiquement perspicace. The Pilgrim Sun vise le premier objectif, tandis que King Snake se charge du second.

Et, juste au moment où j’oublie qu’il est là, à chaque fois, je suis à nouveau captivé par Fire in the Sky. Bien sûr, c’est la chanson la plus dérivée de l’album, mais elle déborde d’énergie et devrait être une véritable explosion en live. D’une certaine manière, c’est une combinaison des deux approches précédentes. Elle a le rebond des premiers titres, comme Apocalypse March et Children of Fire and Sacrifices, mais elle a aussi une présence évidente des claviers, ces tourbillons cosmiques qui entourent tout comme une machine à glace sèche qui ne veut pas s’éteindre. Les échos sont également fantastiques, surtout lorsqu’ils sont appliqués aux riffs pour qu’ils s’élèvent au-dessus de nous et flottent dans l’éther.

Quel que soit le style qui fonctionne le mieux, l’album est plutôt solide et il y a sept albums studio antérieurs à retrouver, en commençant par Twilight in the Desert de 2007 et en continuant de façon irrégulière à partir de là. Les pochettes sont toutes magnifiques, et je me verrais bien récupérer des copies vinyles pour les glisser dans des pochettes transparentes accrochées au mur. Il s’agit peut-être de leur meilleure pochette à ce jour, réalisée par un artiste brésilien du nom de Pedro Correa, qui a réalisé des affiches pour Phish, Eddie Vedder et Coheed and Cambria. Son portfolio est vraiment très intéressant. C’est la cerise sur le gâteau psychédélique.